Otros, Offset House
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Una de las pocas exposiciones bienales que se adentra en la tipología de los edificios suburbanos (un contexto que los arquitectos suelen temer pisar), la Offset House retira las fachadas de las típicas casas con estructura de globo para revelar verandas de espacio semipúblico. El proyecto, realizado por Otherothers, con sede en Sídney (Australia), juega con el hecho de que, aunque Australia tiene el mayor tamaño medio de vivienda de cualquier nación, la gran mayoría del interior del país está desocupado. La mayoría de los australianos se agrupan en las ciudades costeras y luego, en gran medida, en urbanizaciones suburbanas, lo que convierte a Australia en uno de los países más urbanizados y, sin embargo, menos densos del planeta. El papel fundamental de Chicago en el desarrollo de las viviendas con estructura de globo -durante mucho tiempo, un tipo de construcción muy popular en Estados Unidos y Australia- dio a los arquitectos la oportunidad de conectar directamente con la historia arquitectónica de la ciudad. Al eliminar las cornisas historicistas y los frontones recargados habituales en las viviendas suburbanas, la Offset House se regodea en la sencilla gracia estructural de su entramado de madera, creando patios y pérgolas ventosos, a medio camino entre el espacio exterior del parque y el porche privado. La propuesta de OtherOthers es más eficaz cuando se desarrolla a escala de barrio. El efecto general de la planificación, que configura las casas en un patrón muy unido, es el énfasis en la creación de espacios comunitarios cálidos y acogedores, en una cultura de la construcción en la que la privatización suele ser la norma. También da lugar a un tipo de urbanización sin precedentes, en la que cada una de las casas, parecidas a una radiografía, se deleita con las revelaciones exhibicionistas y las contorsiones espaciales. Piensa en toda una colonia suburbana en la que todos viven alegremente en una casa que podría haber sido diseñada por Frank Gehry.
Oficina lateral, haciendo campo
No fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial, cuando los norteamericanos regresaron de los campos de batalla para llenar vastas extensiones de terreno suburbano en mayor número que nunca, que acampar se convirtió en un pasatiempo estadounidense ampliamente celebrado y practicado. Los padres de los Baby Boomers tenían más acceso a los coches y al tiempo libre, lo que facilitaba más que nunca la huida de sus nuevas vallas y callejones sin salida para explorar el aire libre. La instalación del estudio de arquitectura de Toronto Lateral Office en la cuarta planta del centro cultural cuestiona este ámbito, proponiendo un tipo diferente de infraestructura de acampada que ofrece a los campistas nuevas perspectivas visuales y espaciales de la naturaleza. Hay una torre de observación de varios pisos que lleva a los campistas por encima de la línea de árboles, y una plataforma con dosel de árboles que los sitúa muy dentro de ella; en otro lugar, una laguna circular de humedales se cierne sobre los nenúfares y los juncos. Todos estos prototipos aumentan la naturaleza con la construcción, haciendo más accesible la naturaleza, pero disminuyendo cualquier sensación de autenticidad primigenia. Lateral Office parece sugerir que la naturaleza pura y sin adulterar es una ficción, o que al menos sólo es realmente accesible para quienes pueden permitirse fletar un avión a las tierras salvajes del Yukón y acampar durante un mes. Si ese es el caso, una naturaleza democrática y en red es preferible a ninguna. Una línea de tiempo complementa la impresionante maqueta y recorre la historia de la acampada en Canadá, desde los primeros prototipos de sacos de dormir en 1861 hasta el presente, justo cuando los parques nacionales canadienses han empezado a instalar Internet inalámbrico.
Tomás Saraceno
Un indicio de que se está ante un gran diseño es el máximo impacto estético derivado de un mínimo de componentes. En este sentido, el artista berlinés Tomás Saraceno presenta una de las mejores obras de la bienal. Al entrar en la sala oscura que alberga la instalación mínima, se deduce rápidamente que sólo hay tres cosas en juego: telas de araña en vitrinas de cristal, iluminadas con humor desde arriba y desde abajo. Las telas de araña, finas y delicadas, pero más resistentes que el acero, son una gran herramienta para revelar la arrogancia que acompaña a casi todos los diseños realizados por el hombre. Hay una especie en el planeta que crea estructuras que se pudren, tienen fugas y se descomponen; consumen grandes cantidades de recursos insustituibles de la tierra y tardan años en construirse. Hay otra especie en el planeta que extrae un material de construcción más resistente que el kevlar como función corporal, que requiere pocos recursos adicionales, y que puede ser trabajado en maravillosas «estructuras» en menos de un día. ¿Quiénes somos realmente los maestros constructores? Más allá de este provocativo experimento mental, la instalación de Saraceno es ineludiblemente bella. La nítida iluminación confiere una riqueza tridimensional a las telas de araña que no suele observarse cuando uno se quita las telas de araña de la cara después de girar en falso en un sendero del bosque. Es la arquitectura biomórfica original.
WORKac + Ant Farm, 3-C. Ciudad: Clima, Convención y Crucero
Este proyecto, de gran riqueza visual, es un «hackeo» por parte de WORKac, con sede en Nueva York, de la obra del colectivo contracultural de arquitectura, medios de comunicación y diseño medioambiental Ant Farm. La colaboración intergeneracional reimagina tres proyectos de Ant Farm (The House of the Century, Convention City y Dolphin Embassy), remezclándolos en una isla flotante en terrazas megaestructurada con forma de manta raya. Ant Farm y WORKac prevén que esta ciudad oceánica que combina Archigram con The Gratiful Dead sea un foro de debate sobre el cambio climático, la sostenibilidad y la ecología, tanto «un puerto sintético en el que el atraque sea bienvenido» como un lugar de otro mundo que pueda alejarse de las ideologías arraigadas y las restricciones sociales que inhiben la necesidad de «diplomacia entre todas las especies que viven con nosotros».
Studio Albori, Makeshift
La estructura aparentemente ad hoc del estudio italiano Albori refleja mejor que la mayoría el carácter transitorio de la bienal. Se trata de una sencilla estructura de madera formada por andamios, escaleras y palés de madera, improvisada a partir de las organizaciones de reutilización de materiales de construcción de la ciudad. Cuando la bienal se clausure a principios de enero de 2016, los materiales volverán a su lugar de origen, listos para cobrar una nueva vida. Makeshift es el complemento perfecto para los adornos de Beaux Arts del Centro Cultural de Chicago. A primera vista, es una apuesta de dinero en blanco sobre si fue diseñado en un sentido tradicional, o simplemente cayó del cielo en una condición de uso. Su punto de partida conceptual no es la arquitectura ni el diseño, sino la música de improvisación; en concreto, la rica historia del free jazz de Chicago, desde Sun Ra hasta la Asociación para el Avance de la Música Creativa. La instalación de varios pisos incluye una zona de asientos que puede servir de escenario musical, y otros escenarios más pequeños en el nivel superior, donde los músicos rasguean ukeleles y crean paisajes sonoros ambientales con un sintetizador. El andamiaje de jazz, que se eleva sobre una de las grandes escaleras del centro cultural, puede parecer ad hoc hasta el punto de ser un caos, pero un paseo alrededor de él y hasta sus pisos superiores revela una procesión de descubrimientos cuidadosamente elaborados, tanto visuales como musicales.
Diseño con Compañía, participación tardía en el concurso de la Biblioteca Pública de Chicago
Concentrados sobre todo en los barrios más pobres del sur y el oeste de la ciudad, los 15.000 solares vacíos de Chicago abarcan una superficie que duplica el tamaño del Loop. Dicho de otro modo, si se agrupan, estas desigualdades urbanas pronto podrían eclipsar el exquisito horizonte de Chicago. Por ello, una parte importante de la exposición comisariada por Iker Gil se centra en las formas de rellenar los numerosos dientes que faltan en la ciudad. Los arquitectos locales han propuesto nuevos programas y tipos de edificios para esas propiedades vacías, desde anónimos rascacielos tecnocráticos hasta viviendas más íntimas para personas mayores discapacitadas. La propuesta más eficaz, el Pabellón del Foro de Ania Jaworska, es sencilla. Se trata de un cobertizo con tejado a dos aguas que sirve de centro flexible para el tipo de actividades cotidianas de la comunidad -barbacoas, fiestas de barrio y espacios recreativos- que conforman ese «punto intermedio entre la sala de estar y la plaza pública». El proyecto reconoce la modestia espacial inherente necesaria para invertir en terrenos en desuso en barrios empobrecidos, y así establece un escenario sencillo en el que cultivar una auténtica vecindad y comunidad urbanas.
Studio Gang, Estación Polis
Los codirectores artísticos de la Bienal, Sarah Herda y Joseph Grima, han reunido su lista de candidatos para ir más allá de la vieja generación de arquitectos trotamundos e invitar a diseñadores emergentes, cuyo trabajo va más allá de las fronteras del formalismo. Gran parte del equipo de 2015 plantea la arquitectura como una práctica de diseño con un mandato social situado entre fuerzas culturales más fuertes que pueden trabajar con o contra ella. Jeanne Gang no es la idea que nadie tiene de un diseñador emergente, y además acumula unas cuantas millas de avión, pero su obra Polis Station se encuentra entre las propuestas más fundamentadas y urgentemente necesarias de la bienal. La exposición de Studio Gang se adentra en la historia de la infraestructura de los edificios policiales, articulada de forma sorprendente en una línea de tiempo que sustenta el oportuno proyecto de la empresa. Este último imagina nuevas formas de hacer que las comisarías sean elementos activos y participativos de sus respectivos barrios, y no sólo bastiones de la autoridad institucional, a menudo antagónica. Esencialmente, Gang y su equipo proponen envolver las comisarías en una letanía de programas comunitarios: parques, patios de recreo, una escuela de oficios, una cafetería, un centro comunitario, un espacio para creadores. En los taburetes que rodean la exposición, los visitantes pueden coger un ejemplar del informe del grupo de trabajo del Presidente Obama sobre la policía de proximidad, encargado a raíz de las protestas y los disturbios que siguieron a la muerte de hombres afroamericanos desarmados a manos de la policía. Estos relatos de advertencia señalan lugares en los que la policía y los ciudadanos a los que sirve operan como entidades paralelas, con nada más que desconfianza entre ellos. El diseño de Studio Gang espera entrelazar estos dos grupos, borrando las finas líneas azules que dividen en lugar de proteger.
Amanda Williams, Color(ed) Theory
La teoría del color de Amanda Williams, artista y arquitecta de Chicago, comenzó como un experimento de guerrilla sobre el valor y el uso del suelo. Hay miles de parcelas vacías y casas abandonadas en el South Side de la ciudad, y Williams, que nació y se crió allí, se ha dedicado a pintar estas casas decadentes y deterioradas. Williams aplica colores que tienen una especial relevancia para las comunidades afroamericanas locales; el rojo de Harold’s Chicken Shack, por ejemplo. Las fotografías de Williams (expuestas en el centro cultural) revelan que estas viviendas están tan deterioradas que cuesta relativamente poco -al menos en términos de tiempo, esfuerzo y trámites burocráticos- mejorarlas. Un concepto común en Chicago y en la mayoría de las ciudades es que la arquitectura está reservada a los grandes edificios culturales en el centro de la ciudad. Pero Williams nos recuerda que no es así. Con una simple capa de pintura, identifica cómo incluso las estructuras más modestas son dignas de consideración y cuidado, introduciendo en la conversación arquitectónica a nuevas comunidades a las que no se suele invitar.
Pedro & Juana, Randolph
El espacio del vestíbulo del centro cultural, cálido y lúdico, realizado por Pedro & Juana, con sede en Ciudad de México, marca el tono de las exposiciones que se exponen en su interior. Al igual que muchas de las instalaciones, vídeos, maquetas y dibujos que siguen, se trata de una composición contemporánea y nítida que juega bien con las curvas ornamentales del edificio, con una reverencia subtextual a la historia de la arquitectura de Chicago. El proyecto de los diseñadores mexicanos es una gran sala de lectura pública, reconsiderada según la tradición de la sucursal principal de la Biblioteca Pública de Chicago que en su día ocupó el centro cultural. La enjuta instalación consiste en una red de lámparas esféricas unidas a un sistema de poleas de cuerda roja. A los visitantes que se dirigen a la oferta del centro cultural se les ofrece primero una oportunidad práctica de inmiscuirse en la exposición cuidadosamente comisariada. Si se tira de los extremos lastrados de las poleas, las lámparas suben y bajan, creando un campo de luz dinámico y performativo.
